Steven Parrino

Mes peintures ne sont pas formalistes, ni narratives. Mes peintures sont réalistes et connectées à la vie réelle, au champ social, en bref : à l’action. 
—Steven Parrino

Gagosian a le plaisir de présenter une exposition des œuvres de l’influent artiste américain Steven Parrino (1958–2005). L’exposition présente des peintures dont les toiles ont été manipulées, des œuvres en émail pulvérisé sur du vélin et plusieurs œuvres sur papier. S’appuyant sur une pratique – la peinture – qu’il en était venu à considérer comme morte et enterrée, Parrino s’est éloigné d’une abstraction restreinte pour se rapprocher d’un langage visuel beaucoup plus complexe et conflictuel. Tordant, froissant, incisant et maltraitant avec enthousiasme ses supports et ses surfaces, il reconfigure ce qui aurait pu fonctionner comme des peintures et des œuvres sur papier de façon purement formaliste, en monochromes sculpturaux “déformés”. Initialement associé au mouvement Néo-Géo et aux artistes Appropriationnistes des années 1980 à New York, Parrino a finalement poursuivi une vision plus idiosyncrasique et iconoclaste.

L’exposition à Paris s’articule autour de trois grandes toiles : Touch and Go (1989–95), Spin-Out Vortex (Black hole) (2000), et The Self-Mutilation Bootleg 2 (The Open Grave) (1988/2003). Elles sont toutes ponctuées d’espaces vides. Dans la première œuvre, la surface plane d’un panneau recouvert d’émail rouge s’ouvre sur deux espaces vides en forme de losange. La deuxième œuvre quant à elle présente un carré laqué noir au cœur duquel un vide circulaire semble exercer une attraction gravitationnelle en spirale sur le tissu qui l’entoure, le tordant hors de son axe et menaçant de l’avaler tout entier. Enfin, la troisième œuvre se compose d’une première toile rectangulaire noire et brillante accrochée au-dessus d’un panneau plus grand et de la même couleur. Ce dernier panneau présente une ouverture géométrique et repose sur le sol, l’œuvre est pliée comme si elle était tombée contre le mur de la galerie. À l’origine, l’œuvre était de couleur vive ; Parrino l’a ensuite repeinte et reconfigurée, quinze ans après sa première présentation.

Dans plusieurs œuvres antérieures, dont Disruption (1981) et International Style (1983), Parrino associe des peintures acryliques monochromes sur des toiles déchirées ou froissées à des photographies encadrées, reproduisant des images de confrontation tel le cliché de 1928 de Ruth Snyder, la première femme dont l’exécution sur la chaise électrique a été photographiée. La composition de ces œuvres rappelle les diptyques de la série Death and Disaster d’Andy Warhol, dans lesquels l’image sérigraphiée d’une catastrophe côtoie un panneau uni de la même couleur. L’utilisation de références pop-culturelles caractérise également les dessins et les collages de Parrino ; parmi les artefacts et les images présentés ici, figure une variation du logo de la série de bandes dessinées The Hulk. Parrino associe et juxtapose de telles références tendancieuses avec des esquisses et des études pour créer des peintures, utilisant le graphite, l’encre et le ruban adhésif – ainsi que des matériaux plus surprenants tels que l’émail pour moteur et le vinyle pailleté – pour remplacer les composants substantiels d’œuvres plus importantes. Ailleurs, en pulvérisant de l’émail sur des feuilles de vélin froissées, il laisse les textures du support déterminer la structure et les détails.